La télévision n’était pas le glas de la mort pour le cinéma, et cela contient des leçons pour les industries créatives et l’IA

Alors que la télévision a augmenté rapidement en popularité dans la seconde moitié du 20e siècle, de nombreuses personnes ont supposé que cela provoquerait une crise d’entraînement pour l’industrie cinématographique. Après tout, cela signifiait que les téléspectateurs n’avaient plus à quitter leurs canapés pour profiter des divertissements à l’écran.

Mais la réalité était beaucoup plus nuancée. La « mort du cinéma » est habituellement vantée depuis l’introduction de la télévision, mais n’est jamais vraiment arrivée. Au lieu de cela, le cinéma a trouvé des moyens de travailler avec une nouvelle concurrence grâce à l’innovation technologique, à l’invention esthétique et à s’engager avec des sujets difficiles.

Aujourd’hui, les leçons de l’introduction de la télévision montrent comment les industries créatives ont navigué sur l’introduction de nouvelles technologies. Et cela pourrait offrir un certain réconfort à ceux qui craignent que la technologie de l’intelligence artificielle (IA) puisse être un glas de la mort pour les industries créatives.

Dès 1938, bien avant sa popularité généralisée, la société de production de films Paramount Studios a cherché à pénétrer dans la télévision. Il a fait un investissement important dans Dumont Laboratories, qui est devenu un réseau de télévision commercial pionnier.

D’autres studios ont emboîté le pas et expérimenté « Live Cinema ». C’était une forme de divertissement dans laquelle des images diffusées, y compris des événements sportives, ont été converties en film 35 mm et projetées sur des écrans de cinéma, et il a été fabriqué tout au long des années 40.

L’affaire antitrust des «décrets Paramount» publiée par la Cour suprême des États-Unis en 1948 a mis fin aux pratiques monopolistiques des studios, ce qui les a empêchés de posséder des sociétés de diffusion en faveur des réseaux radio. Ils ont également reçu l’ordre de vendre leurs chaînes de cinéma, ce qui signifiait que leurs films n’avaient plus de projections garanties au public.

Néanmoins, ils ont continué à former des sociétés de production de télévision, Columbia établissant des joyaux d’écran en 1951 et Paramount réinvestissant dans le réseau ABC en 1952. Dans les années 1960, la majorité de la programmation télévisée aux heures de grande écoute a été fournie par des sociétés de studio hollywoodienes. Ces liens étroits ont favorisé une relation mutuellement bénéfique.

Pollinisation croisée

Après la rupture des studios, de nombreux membres du personnel de studio ont trouvé du travail dans l’industrie de la télévision. Il a fourni un terrain d’entraînement pour les futures stars du cinéma, notamment en tant que Steven Spielberg, George Clooney et John Travolta. Les studios pourraient également louer leurs studios et leurs installations aux sociétés de production de télévision.

Le « Système des étoiles » (dans lequel la popularité des stars de cinéma avait toujours motivé le potentiel commercial du cinéma) a maintenant été complété par l’exposition de ces stars sur les programmes de télévision.

De nombreux studios ont commencé à utiliser la télévision pour annoncer leurs films. Par exemple, les programmes de télévision Disneyland ont aidé à annoncer le Disney Studio et ses produits cinématographiques distincts de la télévision. Et les bandes-annonces de films sont devenues un autre conduit important pour la publicité au cinéma. L’ère de Blockbuster d’été a été inaugurée par Jaws en 1975 avec de la publicité générale à chaque émission de télévision aux heures de grande écoute.

Lorsque les horaires de télévision précoces manquaient suffisamment de nouveaux contenus pour remplir les ondes, le cinéma britannique et les films et les séries bon marché (une série de courts métrages avec des fins de cliffhanger; un ancien angéniteur de la série télévisée) des petits studios hollywoodiens ont rempli les premiers horaires.

D’autres dirigeants de studio ont noté que leurs catalogues de films arrière, qui étaient principalement intacts dans les coffres, étaient une mine d’or financière qui pouvait être retrouvée dans la production cinématographique et le développement technologique. MGM, qui possédait des titres, dont le favori pérenne, The Wizard of Oz, que CBS a réservé des droits exclusifs pour projeter 20 ans, à partir d’août 1956 34 millions de dollars (12 millions de livres sterling) pour ses titres, tandis que Paramount a tenu 50 millions de dollars américains (17,8 millions de livres sterling). Les droits de dépistage ont été vendus aux réseaux de télévision.

En conséquence, la télévision est devenue le principal conduit de visionnage de films. Par la suite, plus de films ont été vus à la télévision qu’au grand écran. Il y avait 3,4 milliards de visites de films sur le TV du Royaume-Uni en 2013, contre 165 millions d’admissions de cinéma – celles-ci sont maintenant partagées avec les services en streaming et à la demande. Quelque chose devait être fait pour que les gens aient le cinéma.

Innovation technique et esthétique

En tentant de préserver l’expérience du grand écran, des systèmes sonores larges, 3D et multi-track ont ​​été introduits dans les cinémas. Le passage au film couleur standardisé a accéléré, tandis que la longueur du film étendu a tenté de relier l’expérience cinématographique avec la « haute culture » comme le théâtre et l’opéra, avec des ouvertures et des intermissions.

Alors que beaucoup étaient considérés comme des gadgets (tels que « Smell-O-Vision » dans Scent of Mystery, 1960), le tournage grand écran est devenu le choix esthétique des cinéastes, la production de toiles épiques et une expérience de visionnage alternative sur le petit écran télévisé.

Bien que bon nombre de ces technologies remontent aux années 1920, la concurrence en petits écrans a conduit une innovation technologique et esthétique, et a été en partie financé par la licence télévisuelle de leurs films. Parallèlement à ces innovations, le contenu des films eux-mêmes a offert une alternative démontrable au petit écran.

À la fin des années 1960, Hollywood s’était essentiellement libéré des restrictions à censurer auto-imposées du code de production du Hay, qui régulèrent tout de la langue aux relations interraciales. Au lieu de cela, les cinéastes avaient absorbé les influences du documentaire, de l’avant-garde et de la nouvelle vague française, entre autres, ainsi que les mouvements rock n ‘roll et contre-culture pour faire des films audacieux et controversés, comme Who ont peur de Virginia Woolf? (1966) et Easy Rider (1969).

Les sujets et les niveaux de sexe et de violence décrits dans ces films ont été impensables dans l’industrie de la télévision très réglementée de la famille et des annonceurs.

Le réalisateur Alfred Hitchcock a tiré le meilleur parti de cette distinction entre les médiums. Il a utilisé l’équipe de travail télévisuelle agile de sa série télévisée Alfred Hitchcock Presents (1955) pour le film d’horreur de tabou psycho en 1960, suggérant que les deux médiums pourraient être liés mais également divisés par le contenu. Ceci, avec les innovations esthétiques, a aidé à élever le cinéma artistiquement par rapport au petit écran.

Et donc l’ère AI se fait. Les écrivains et les acteurs de la grève de 2023 ont montré que les industries créatives sont prêtes à se battre pour leur survie. L’adaptabilité, comme Hollywood l’a démontré tout au long de son histoire, peut également être la clé du succès continu.